Gerard Richter.

Picturing things, taking a view, is what makes us human; 

art is making sense and giving shape to that sense. 

It is like the religious search for God.

Richter. 1962

Un cuadro abstracto no puede ser explicado desde lo lingüístico, las palabras no expresan lo que la imagen regala a la mirada, en un universo rico en colores, texturas y composiciones complicadas. Resultado de trabajar el lienzo de una manera ultrajante y serena; violenta y calculada. Esto es Richter.

A diferencia de Pollock, que hace su pintura por medio de acciones violentas como medio de catarsis y expresión de emociones, Richter deja que la obra fluya y le dicte los colores y los rasgados que hará a su tela con sus espátulas y direcciones aleatorias pero pensadas en calma. Lo que nos da dos resultados igual de estremecedores, pero distintos en técnica y emoción, todo desde una perspectiva neoexpresionista abstracta.

Richter

Pollock

Gerard Richter nacido en 1932 en Dresden, ofrece al espectador, ya sea en imágenes hiperrealistas o en pinturas abstractas, obras que muestran la realidad trastocada, por medio de abstracciones sucias, o representaciones alteradas, ya sea con efectos como el desenfoque, el barrido o simplemente chorros  de colores extendidos sobre una foto de una persona o una ciudad…

La despersonalización de la imagen es uno de sus principales intereses, así retoma imágenes de diarios con toques amarillistas o fotografías cotidianas y las usa como referente para realizar pinturas realistas pero con un toque de abstracción, o abstracciones con un toque de realidad.

Inició su obra cuestionando la naturaleza de la representación a partir de la relación fotografía-pintura. llegando a superar las fronteras entre la abstracción y la figuración. Dentro de este juego introduce temáticas políticas… un grupo terrorista cuyos integrantes aparecieron muertos en una cárcel en 1977… en ellas se expresa el efecto nivelador del exceso de información: cuantas más imágenes de horrores vemos, menos nos afectan. (Heartney Arte & Hoy 2008)

El hecho de imitar lo fotográfico con un desenfoque o barrido por medio de su pintura, demuestra cuan cerca es su mirada de lo real y lo real construido desde lo mediático. Así también, los efectos sobre la imagen que muestra, connotan lo superfluo e inocuo de la imagen, el chorizo de imágenes actuales borran la información en la memoria.

A veces remite a recuerdos, un poco borrosos y siniestros… como una fotografía en la cual confiamos por ser tan representativa y cercana a la mirada humana, pero el artista nos hace dudar de esta veracidad al mirar su pintura y no estar seguros si esta desenfocada o se movió la cámara… Demostrando la posibilidad infinita de la pintura abstracta y mofándose de la objetividad de la fotografía.

Su obra no cede a las formas correctas y colores uniformes y rítmicos, ella confronta al espectador, haciéndolo pensar y sugiriéndole la historia de cada espacio de color en la tela, como lo tratamos de ver en esos muros en donde se esconde cartel tras cartel y se recrea un collage que sólo el paso del tiempo ha permitido crear.

Como todo artista contemporaneo, ha hecho homenajes a artistas tan importantes como Duchamp, con su desnudo bajando la escalera, pero en su estilo… ahora la mujer no se muestra de manera futurista, en sus múltiples repeticiones de movimiento, con Richter el movimiento de percibe con el barrido de la imagen al descender…

Richter

Duchamp

 Según el documental de Richter, Pintor… el artista no crea su obra de manera complaciente, más bien de manera intima, le gusta crear formas que nazcan por ellas mismas y que en un momento dado puedan leer los públicos… pero de igual manera se avergüenza de los especuladores de arte que han hecho venta de sus cuadros por cifras que para él son irreales… aunque seguramente no le molesta un poco de esa fama en sus cuentas bancarias.

El negro luminoso de Pierre Soulage

“Amo la autoridad del negro, su severidad, su evidencia, su radicalidad. Su poderosa fuerza de contraste le aporta a todos los colores una presencia intensa y, al iluminar los más oscuros, les confiere una grandeza sombría. El negro tiene posibilidades insospechadas y yo, atento a lo que ignoro, voy a su encuentro.”


Pierre Soulage.



                         

Todavía recuerdo esa exposición del MAM sobre expresionismo abstracto, en donde en la sala inicial del recorrido te recibía de frente un cuadro negro luminoso maravilloso, dividido en dos partes por la mitad. Por un lado, un liso negro que sólo dejaba ver su no color por el reflejo de la luz de la galería y del otro lado era corrugado y con textura, pero con el mismo tono oscuro que el lado liso.

La sensación de tacto que da a la vista ese contraste, fue sólo equiparable a querer acariciar esa primera parte lisa con una mirada suave y armoniosa y en un arranque de dinamismo, querer desgarrar la parte rugosa, tocarla y rascarse la piel, con ese negro que seduce con el juego de luz y sombra.

Soulage explica algo del interior del hombre en su pintura, en ella no se encuentra nada, sus absolutos significados están dados por el negro que devora el entorno con pinturas de gran formato, y los blancos que tácticamente aparecen en cada una de sus obras, ya sea como parte de la tela, ya sea como resultado de las sombras que crean sus texturas.

En esa abstracción vemos resumida la nada y el todo.


Es una abstracción discreta y elegante,valga la frase desgastada, no es necesario recurrir al bote de pintura insertado en el lienzo para significar la abstracción por si misma, como alguna vez hizo Antoni Tàpies, sino dejar que el color-no color y la textura te cuenten algo de la obra, algo del movimiento abstracto expresionista o tachismo europeo... pero al final algo de nuestro inconsciente.

Ese negro intenso, que alguna vez Ad Reinhardt busco en distintos tonos de azul oscuro, nos llevan a la totalidad, a la plenitud... silencio extremo, silencio ensordecedor eterno que sólo encontraremos a nuestra muerte.

Su obra es mayoritariamente monocromática, contrastante, blanco y negro, negativo contra positivo y viceversa e invita a pensar en la gestualidad del acto pictórico, en ella imaginamos los movimientos definitivos que llevan a crear las composiciones fuertes. Vemos el trazo y su intensidad, conocemos la trayectoria del movimiento corporal del artista.


Acto lógico corporal, que resulta en la creación de una obra abstracta e inconsciente.

El protagonista es el negro, pero a la vez las sombras y brillos que este color y las texturas y rugosidades dan en cada punto de vista y perspectiva de lectura del espectador... uno no mira a la nada, al final la sicología del color indica que el negro nos remite al misterio, al silencio, al infinito y a una fuerza pacifica etérea.

La obra de Pierre muestra y esconde, seduce con su misterio y rebasa su función abstracta, ofreciendo fuertes composiciones y sentido plástico de la obra, pero también invitando a pensar en aquello que no se ve, pero que, con detenimiento, nos cuenta una historia sin palabras, desgarradora y serena. 

“Un día, pintando, el negro había invadido toda la superficie de la tela. En este extremo vi, en cierto modo, la negación del negro. Las diferentes texturas reflejaban tenuemente la luz y de la oscuridad emanaba una claridad, una luz pictórica de cuyo particular poder emocional se originaba mi deseo de pintar. Me gusta que este color violento incite a la interiorización. Mi instrumento ya no es el negro sino esta luz secreta surgida del negro. Aún más intensa en sus efectos al ser emanada de la más grande ausencia de luz. Decidí seguir este camino. Donde siempre descubro nuevos horizontes.”

Louise Bourgeois

 "Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor." 

Bourgeois.

Gracias a los filmes de Almodovar, he conocido mujeres artistas tan hermosas como Pina Bausch y Louise Bourgeois. La primera en ese maravilloso y estremecedor performance citado al inicio de "Hable con ella", donde una mujer hipnotizada corre en medio de un aula, se tira, realiza movimientos paroxisticos, encuentra el amor, lo deja ir... nos mueve el alma; la segunda, en "La piel que habito", un homenaje a la obra de Bourgeois, a la creacion de la identidad no solo sexual, sino social, en un personaje hombre/mujer que sufre una metamorfosis involuntaria. No se podría explicar la profundidad visual y temática de los personajes de Pedro Almodovar, sin ahondar en las citas que hace a estas mujeres que sufren, pero al mismo tiempo aman su arte. 

Impresionante conocer el arte ecléctico de Luoise Bourgeois, una mujer que vivió durante todo el siglo XX e inicios del siglo XXI. Un arte que es vigente por ser tan humano, por hablar de ese sentir arquetipico que nos hace iguales: el dolor, el miedo, la identidad, la inseguridad de no conocer un significado de la vida... y en esa busqueda, soportar violaciones de todo tipo.

Todo esto, expresado en soportes, formatos y materiales tan desiguales, como lo es la madera, el marmol y la tela.

La artista que murio hace dos años, nos deja imágenes y esculturas creadas con un objetivo "sanador" y autobiográfico.

El dolor de ser o existir es evidente, el dolor de pertenecer a un orden social. Los estereotipos, presiones y obligaciones que se le dan a cada individuo, crean capas y mascaras que no permiten salir el verdadero ser; en el afán de querer encajar, nos vuelven sombras, muñecos de trapo apenas moldeados por costuras gruesas pero no solidas, fruto de tantas heridas en pos del amor familiar.

Así, en esta alienación, "el desarrollo de las ciudades comporta la pérdida de la identidad individual y determina una nueva manera de organizar el caos: el concepto de masa," menciona la artista.

A veces el material es lo mas importante para significar, sobre todo en artistas expresionistas abstractos, sin embargo en Louise, el medio no es el masaje, el mensaje utiliza cualquier material para regalarle al lector una lectura catártica. 

Entre las obras que más me han llamado la atención, se encuentra la mujer edificio; mezcla de lo orgánico con la arquitectura, lo femenino sentimental con lo utilitario... el edificio como templo de la ama de casa; si bien el aspecto surreal se ve expresado en algunas obras, creo que se acerca mas a la expresion de Frida Kahlo, donde el dolor vivencial latente, es confundido con lo onírico. 

Por otro lado las muñecas de trapo hechas a partir de recorte de ropa propia, son un reflejo de la soledad que vivió la artista en un ambiente de secuestro, como bien lo evidencia Vera en "La piel que habito". 

Para la artista el pasado ha sido su detonador creativo para refugiarse en el arte, por un lado le ha dado el oficio al ser hija de fabricantes de tapices, y por otro, al morir su madre sufrió un shock al enterarse que su padre ya andaba con su niñera.

 La vida la ha orillado a crear... dolor para crear... crear para sanar.

Cabe mencionar que el sicoanálisis marco la obra de Bourgeois, en la cual es evidente el afan de crear esculturas fálicas, combinadas con formas vaginales, como lo ejemplifica su gran pene suspendido del cual emerge una vulva por su parte superior. O la fotografía realizada por Robert Mapplethorpe para su exposicion en el Moma, en donde aparece cargando un pene de metal de proporciones extraordinarias, muestra de valentia e ironía. 

Louise no echa en  falta el falo que penetra, con sus imágenes penetra el pensamiento y nos regresa una mirada al interior. 

  

La artista conoció a Marcel Duchamp, quiza sea la razon por la que el vouyerismo es preciso para disfrutar su obra. Hay que ver de fuera la cara de sus personajes enmascarados, como el armario de Marcel Duchamp. Hay que conocer los vestidos/piel de la mujer disfrazada; cita formal de la novia desnudada por sus solteros. 

En su obra mas conocida llamada Mamá y representada por una araña gigante, demuestra la tension formal y simbólica entre un ser protector pero amenzante. Los museos mas importantes del mundo la han expuesto para proteger sus plazas, a la vez que sus patas estilizadas son hermosas a la vista. 

Si bien la obra de Louis Bourgeuos es tétrica y no deja reposo a la vista, su funcion es catártica, así, uno se enfrenta a sus propios demonios y es capaz de sobrepasar temores que no lo dejan ser libre... acabar con complejos y culpas es el objetivo personal de la artista…

A sus 98 años, se le veía ligera y sonriendo. ¿Podremos acabar con nuestros miedos reconociendolos? ¿su obra será la puerta para reconocer nuestros temores y superarlos? pienso que en ese caso muchas de sus imágenes no serian tan caóticas como las nuestras.